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Importante composition flamande exécutée à l’huile sur panneau de bois, « La Coupe de Cérès » constitue un exemple remarquable de synthèse entre la Renaissance Italienne et le Maniérisme Nordique. La composition repose sur l’adage antique de Térence, Sine Cerere et Libero friget Venus, que l’on traduit par « Sans Cérès et Bacchus, Vénus se refroidit ». La structure conceptuelle de la scène se déploie à travers un groupement triangulaire harmonieux des figures et un programme allégorique richement élaboré.
Au centre de la composition s’élève une urne transparente couronnée d’une rose en fleur, symbole de vitalité et d’amour. À gauche apparaît une figure féminine drapée à l’antique, accompagnée d’un Cupidon à son épaule. À droite se tient une Vénus nue, dont le geste souligne l’intimité et la sensualité. Derrière elles se dresse un faune, tandis qu’à l’arrière-plan un serviteur barbu portant un panier de fruits renforce le thème de l’abondance et de la fertilité. Le paysage montagneux, animé d’épisodes liés au culte de Bacchus, élargit le programme iconographique. La palette chromatique repose sur le contraste entre les carnations chaudes et les étoffes aux tonalités émeraude profond et rouge cramoisi, soulignant le modelé sculptural des figures et révélant l’influence de la plastique italienne adaptée à la tradition nordique.
Selon l’expertise du Dr Ernst Wengenmayer, Munich, 7 décembre 1962, l’œuvre constitue une version indépendante d’une composition analogue conservée à l’Alte Pinakothek, acquise en 1792 par l’Électeur Charles Théodore et anciennement attribuée à l’atelier du Titien. D’après l’expert, cette version fut réalisée par Frans Floris peu après son retour d’Italie, après 1540, et se distingue par un fond montagneux modifié ainsi que par des détails iconographiques propres à l’artiste.
Dimensions : Hauteur : 111 cm ; Largeur : 149 cm
Matériau : Huile sur panneau de bois
État : Traces anciennes de restauration, légères pertes de matière picturale, ancien renforcement structurel du panneau par parquetage. Dans l’ensemble, en très bon état compte tenu de son âge. Présentée dans un ancien cadre sculpté.
Provenance : Collection privée européenne. Acquise lors d’une vente aux enchères au Schloss Alden, Allemagne.
Expertise : Dr Ernst Wengenmayer, Munich, 7 décembre 1962, attribution à Frans Floris de Vriendt.
Frans Floris de Vriendt occupe une place centrale dans la peinture flamande du milieu du XVIe siècle et est considéré comme l’un des principaux initiateurs du Maniérisme Nordique. Sa carrière coïncide avec l’essor économique et culturel d’Anvers, devenue l’un des centres majeurs du commerce et de la pensée humaniste en Europe. Dans ce contexte, l’intérêt pour la littérature antique, l’allégorie et les modèles artistiques italiens se développa de manière significative.
Le voyage de Floris en Italie vers 1538 - 1540 constitua une étape décisive de sa formation. À Rome et à Venise, il étudia la monumentalité de Michel-Ange, l’harmonie de Raphaël et la richesse chromatique de l’école vénitienne. De retour à Anvers, il élabora un langage artistique original combinant la monumentalité italienne avec l’attention nordique aux détails et à la narration.
Le thème Sine Cerere et Libero friget Venus reflète la culture humaniste du XVIe siècle, dans laquelle les textes antiques servaient de source d’allégories morales et philosophiques. La formule de Térence était interprétée comme le symbole de l’interdépendance entre l’amour, la fertilité et les plaisirs terrestres. Dans l’interprétation de Floris, la composition acquiert une dimension monumentale, les figures devenant les porteuses d’un programme symbolique complexe destiné à un public cultivé.
Comme le souligne le Dr Wengenmayer dans son rapport d’expertise de 1962, l’œuvre présentée constitue une réinterprétation autographe d’une composition connue, précédemment attribuée à l’atelier du Titien. Contrairement au modèle italien, Floris introduit des éléments caractéristiques de l’art nordique : un paysage montagneux traité avec précision topographique, un rendu minutieux des tissus et des accessoires, un modelé sculptural des corps ainsi qu’une symbolique accentuée du vase central. Ces modifications traduisent la volonté de l’artiste d’unir le raffinement de l’idéal renaissant à la richesse narrative et décorative de la tradition flamande.
L’atelier de Floris à Anvers fut l’un des plus importants de la région. De nombreux élèves et assistants y travaillèrent, assurant une large diffusion de son style. Ses compositions mythologiques ornèrent palais, salles civiques et collections privées de l’aristocratie, servant non seulement d’objets d’admiration esthétique, mais également d’emblèmes intellectuels de statut et d’érudition. L’œuvre présentée témoigne de la phase de maturité du maître, lorsque la synthèse entre héritage de la Renaissance Italienne et tradition flamande atteignit une cohérence artistique remarquable.
Le panneau est stable avec un ancien parquetage. La couche picturale est bien conservée, avec de légères pertes et des traces d’anciennes restaurations. L’état général est conforme à l’âge de l’œuvre. Le tableau est présenté dans un cadre ancien sculpté.
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